Il genere del minimalismo si rivela in varie forme d'arte: pittura, musica e letteratura. È nato negli anni '60 del XX secolo ed è nato come risposta all'espressionismo astratto. I minimalisti hanno cercato di allontanarsi dalle caratteristiche espressive dell'espressionismo astratto, poiché consideravano queste opere troppo pompose, minimizzando l'essenza dell'arte stessa. Al contrario, gli artisti del genere minimalista hanno cercato di creare un'immagine da linee e figure semplici. Il minimalismo è caratterizzato dall'interpretazione delle opere attraverso gli occhi di chi guarda. Soprattutto per questa opera d'arte, vengono rimossi tutti gli oggetti complessi, i mezzi di espressione di sé, le biografie e i programmi sociali. Lo spettatore dovrebbe vedere l'immagine così com'è veramente: piena di bellezza vergine e onestà.
A causa della forte enfasi sugli elementi di base, il genere del minimalismo era noto come arte ABC. La maggior parte dei minimalisti più importanti erano scultori, ma il minimalismo era prevalente anche nella Land Art, un ramo del genere volto a creare arte sotto forma di paesaggi, essenzialmente un ramo della progettazione del paesaggio.
Il minimalismo si concentra anche sul movimento della luce e dello spazio, ma molti artisti di questo genere cercano di rappresentare il vuoto nelle loro opere.
Si credeva che il minimalismo fosse originario dell'Asia. Per il lavoro di molti artisti occidentali, come esemplificato da Agnes Martin, il Buddismo Zen ha avuto un enorme impatto. La vasta massa di artisti minimalisti è stata influenzata dal concetto di "vuoto" preso in prestito dalle scritture indù. Mono-ha è stato uno dei più grandi movimenti minimalisti in Asia. È stato il primo movimento artistico contemporaneo giapponese riconosciuto a livello internazionale. Il mono-ha, detto anche "Scuola delle cose", ha avuto origine a metà degli anni '60 del XX secolo, per poi diventare un movimento artistico innovativo. Questo gruppo era guidato da Li Ufang e Nobuo Sekine. Era l'unica associazione che posizionava le sue attività come attività "non creative". Tali gruppi hanno rifiutato le idee tradizionali di rappresentazione. Il loro desiderio era quello di svelare il mondo interagendo con i materiali e le loro proprietà, simile alla tendenza occidentale del minimalismo.
Offriamo per la visualizzazione delle opere più famose di arte minimalista, sottolineando l'appartenenza a questo genere. Ti verranno anche presentati dipinti e sculture che distruggono le idee tradizionali sull'arte in generale, poiché hanno cancellato le differenze tra loro.
Frank Stella "Banner verso il cielo!" (1995)
Frank Stella, come pittore, scultore e incisore, è considerato uno degli artisti americani più influenti viventi oggi. I suoi dipinti, pieni di strisce, oltre a stampe grandiose, hanno rivoluzionato non solo il mondo del minimalismo, ma anche l'astrazione. L'autore nota che la maggiore influenza sul suo lavoro è stata fornita dagli artisti astratti Pollock e Klein. Ma per volontà del destino, Frank Stella è diventato uno dei padri fondatori del minimalismo.
"Banner alzati!" prende il nome dalla canzone di marcia dei nazisti, ma tutto tranne il nome dell'immagine non sembra avere alcun significato. Quest'opera fa parte di un ampio ciclo di opere oscure di Stella. Le linee di luce, ben visibili nella foto, sono solo una tela grezza lasciata tra larghe strisce nere. Questo lavoro monocromo è uno dei dipinti più famosi per sfidare il movimento astratto.
Robert Morris, Senza titolo (Cubi specchio) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" di Robert Morris lo rivela non solo come il creatore del genere minimalista, ma anche come concettuale. L'autore si imbatté in grandi scatole grigie fatte di compensato e usate come decorazioni mentre si esibiva ancora con una compagnia di balletto. Nel suo lavoro, ha coperto queste scatole con specchi, cambiando così il modo di percepire, aggiungendo nuove proprietà visive a semplici cubi grigi. La composizione è finalizzata all'interazione diretta dello spettatore con l'oggetto: camminando tra i cubi specchiati, gli spettatori si scontrano involontariamente con se stessi e rimangono come soli con i propri pensieri, ma soli con tutti. L'atto di ammirare un'opera d'arte viene improvvisamente interrotto dall'atto di cercare. È su questa base che avviene l'"invasione" dello spazio della galleria. Una persona inizia a sentire la presenza dell'arte oltre il visibile.
Agnes Martin, Ritorno al mondo (1997)
Agnes Martin dipinse quadri che non raffiguravano in alcun modo oggetti, eppure i loro nomi sottolineavano il forte fascino della natura. Il lavoro di Martin è stato riconosciuto da una griglia che combina minimalismo e combinazione di colori. La griglia è stata utilizzata per organizzare lo spazio della tela. Ha contribuito a creare una varietà infinita di opere rilassanti in sottili combinazioni di colori.
Fortemente influenzata dal Buddismo Zen e dal Taoismo, Martin è stata molto distaccata dal mondo per la maggior parte della sua vita, anche vivendo nel New Mexico. All'età di 40 anni, le fu diagnosticata la schizofrenia. "Ritorno al mondo" è stato scritto nel suo nono decennio di vita. All'epoca si trovava in una casa di cura. Le strisce di blu, pesca e giallo continuavano ancora a evidenziare l'esclusività dell'arte in un mondo pieno di corruzione, quindi ridusse le dimensioni delle sue tele per renderle meno difficili da gestire.
Ellsworth Kelly, Rosso, Giallo, Blu II (1953)
Il servizio durante la seconda guerra mondiale ha avuto un chiaro impatto su Ellsworth Kelly. In un certo senso, è stato usato come osservazione della natura e dell'architettura, e poi è stato applicato nella pratica. Un attento studio dell'astrazione da parte dell'autore e la sua applicazione nelle sue opere ha sviluppato il minimalismo. La serie di dipinti "Rosso, giallo, blu" ha influenzato il modo di dipingere. È stato creato non appena Kelly ha scoperto le infinite possibilità dello spettro cromatico monocromatico, della casualità e della composizione multi-pannello.
Red Yellow Blue II è composto da sette pannelli. Il pannello nero centrale è sia un pannello divisorio che tre pannelli per lato. I pannelli blu alle estremità accentuano la composizione di Kelly. È questo lavoro che è considerato uno dei suoi migliori lavori, nonché il più grande lavoro durante il suo soggiorno a Parigi.
Sol Levitt, pareti dipinte
Sol Levitt ha dipinto 1.350 pareti in 40 anni della sua carriera, di cui 3.500 installazioni su 1.200 siti. I disegni erano completamente diversi: dalle strisce dritte applicate con l'ardesia nera, alle linee ondulate multicolori, alle forme geometriche monocromatiche e agli spazi luminosi dipinti con acrilico. L'autore ha rifiutato l'importanza tradizionale della mano del creatore, permettendogli di aiutare gli altri nella creazione della sua opera d'arte. I suoi dipinti murali hanno preso le forme degli spazi che occupavano, quindi sono stati oggetto di studi nel campo dell'architettura e dell'arte.
Levitt è morto nel 2007, ma il suo lavoro continua a vivere, perché lo spirito dell'artista è radicato in loro. Al giorno d'oggi, ci sono diversi artisti che si rifiutano di ricreare i suoi dipinti murali, permettendo così loro di decorare le pareti di tutto il mondo.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Il Rainbow Picket è un'installazione delle dimensioni di una stanza. Consiste di sei trapezi, diversi per colore e lunghezza. Oltre alla prima mostra personale alla Rolf Nelson Gallery di Los Angeles (gennaio 1966), quest'opera è stata esposta nella fondamentale mostra "Basic Structures" al Jewish Museum.Clement Greenberg, famoso critico, ha parlato di questo lavoro come il migliore in questo settore. Nel 2004 è stato ricostruito il Rainbow Picket, e in seguito l'oggetto è diventato il segno distintivo di LAMOCA “Minimalistic Future? L'arte come oggetto (1958-1968)”.
Creando opere come questa, testando le possibilità del colore con i suoi schemi e schemi spaziali autoprodotti, Judy Chicago è diventata famosa come innovatrice nel genere minimalista.
Dan Flavin, "Senza titolo (dopo Harold Joachim) 3" (1977)
"Untitled (after Harold Joachim) 3" è una delle tante opere di Dan Flavin. Si compone di lampade a LED e clip metalliche. L'autore ha studiato le possibilità della luce fluorescente per tre decenni, eseguendo il suo lavoro solo con materiali disponibili in commercio. Dopo aver rinunciato ai concetti dell'espressionismo astratto, Flavin iniziò a utilizzare tale attrezzatura, per poi introdurla nel mondo dell'alta arte. A prima vista, il lavoro sembra essere il più semplice possibile, ma se guardi da vicino, vedrai una profonda raffinatezza del lavoro.
Le opere di Flavin tendono ad andare oltre lo spazio in cui si trovano, grazie ai giochi di luce ea una varietà di tavolozze di colori. Gli oggetti consentono allo spettatore di immergersi nella calda luce dei LED, creando un'atmosfera specifica.
Eva Hesse, "Un'opera senza nome (pezzi di corda)" (1970)
Eva Hesse è nata in Germania. Ora la conosciamo come una scultrice americana innovativa nel lavorare con il lattice, la fibra di vetro e la plastica. Ha posto le basi per lo sviluppo del post-minimalismo negli anni '60 del XX secolo. L'autore ha esplorato molto di più le proprietà dei materiali più semplici da utilizzare nelle illustrazioni.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" è stato creato nel 1970, quando Hesse era già sull'orlo della morte, ed è stato completato con l'aiuto dei suoi compagni. La mostra è realizzata in lattice teso su corda, lenza e filo metallico e sospeso al soffitto. Simula uno schema aggrovigliato nello spazio. Hesse si è allontanata dalla tradizionale pulizia del minimalismo, ma i suoi modi di presentare il materiale sono percepiti all'interno del genere.
Donald Judd, Lavoro senza titolo (1980)
Donald Judd nega con veemenza la sua connessione con il minimalismo. Nonostante questo, è uno dei suoi padri fondatori. All'inizio degli anni '60 del XX secolo, l'autore scoprì una certa ostilità verso i valori artistici europei, quindi si allontanò dal lavoro di scultore e iniziò a creare opere che non potevano essere attribuite a nessuna delle suddette sezioni d'arte. Il suo lavoro è stato anche esposto presso Major Structures a New York.
Negli anni '80, Judd ha iniziato a creare scaffali verticali sospesi. Un esempio di ciò è "lavoro senza titolo" (1980). Fino ad ora, questo tipo di lavoro non può essere attribuito alla pittura. Non una scultura. l'opera è realizzata in 2 tipologie di materiale: alluminio e plexiglass. Questo viene fatto in modo che lo spettatore pensi alla natura contraddittoria dell'arte: le figure opache e ossessive di lato sono collegate alle profondità dello spazio di fronte.
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